EXPERIMENTATION ART AND LIFE: Juan Luis Pérez (Havana, 1970) is a profoundly anti-academic, irreverent and rebellious artist. He creates uncomfortable works, difficult to place in labels so admired by critics.  His work is contrary to the notion of unique and “personal style.”  His art is chameleon–like, always in flux and not constant. And these characteristics bother, perturb, mostly to the mechanisms of the art-institution: markets, gallerists, curators, historians, etc. The “small world” of art needs to define, classify. When it cannot be done, that world destabilizes.  Juan Luis is then a “stone in a shoe.”  An enfant terrible.

When he invited me to his studio and I observed his work for the first time, this is what I sensed: the diversity of his work disarmed me; it left me momentarily without words.  It is because Juan Luis is sometimes abstract and other times figurative; at times he uses strident and contrasting colors, and in other cases, employs an enormous chromatic sobriety; sometimes he uses dense and pronounced textures, while in others he opts for the very plane forms; at times he is expressionist, other times pop; in some works he’s inclined to representation of the human face, in others he avoids it; momentarily he is more conventional, in other cases he turns extremely experimental and adds resins, newspapers, alcohol; at times he is visually minimalist, other times he is more baroque.  In summary, we are in front of an eternal adventurist, without a defined course, for whom nomenclatures are not to his liking.

The only word that best describes his art is “liberty.”  Liberty of thought and liberty of action.  And that is also his life, as Juan Luis is an intrepid traveler, who has lived in Spain, France, Italy, Argentina, Africa, Brazil, Cuba, and the USA. From all of these places, he has extracted life experiences for his works.  Which I find fascinating.  I have always thought that the major forces of inspiration for an artist should not be books nor theory, but the act of living life (and to live it to its fullest). This is what Juan Luis Perez has accomplished. Therefore he self-identifies as “Don Juan”:  an authentic bon vivant, a genuine enthusiast of life and art.

In the artist’s own words: “If I think of something and I feel it, I create it. I don’t follow any guide or model because for me art is freedom of choice. Rules do not apply to my world. My personal motto is: technique is learned in school; one is born with art.” The artist is self-taught, he learned on his own, at his own pace, without the straightjacket of the academic world. Perhaps this is why his works are such breaths of fresh air, with so much spontaneity and daring. When one talks with Juan Luis, it is as if he follows his own light. As if he were so sure of himself that he does not allow to be intimidated by commentaries (sometimes well intentioned, other times not so) of the complex world of art.

One of the artist’s most interesting series is the one dedicated to female faces (think of pieces such as “Missing you,” “Lost in Lust,” “Insanity,” “Reflections of Time,” “Seduction,” “Satisfied,” “Vicious Love,” “Wild Heart,” “101 Thoughts,” among others).  As indicated by the titles, these works are inspired by the most diverse of human emotions and sentiments. More than physical pictures, they are psychological pictures of varied personalities. In this sense, the ability of the creator to tell stories through the views of these personages is greatly highlighted. In the eyes of all these female characters are seen memorable life stories, experiences, dreams, yearnings, features of authentic personalities. Each of these visions is distinguished by a very special poetry and mystery. These women pose more questions than answers. They attract me, something I can’t deny.

But there is also much sensuality, and even eroticism, if you wish, in these faces. The presence of an elegant curved line; the use of free and expressive drippings, full of glamour; the treatment of lips and skin of his figures; the voluptuous stains on the canvas or wood provoked through the use of alcohol; just as the use of color range and textures, are all proof of the above. At times it is a mixture of sensuality and violence, tenderness and aggressiveness. It is because Juan Luis likes opposites. Antagonistic pairs.

If all the works of this series are valuable, there is one that I most prefer: I refer to “Curiosity” (2016). I can’t even explain why, but without doubt it seduces me in a very emphatic manner. Perhaps it is that mischievous, daring and defiant look that intimidates me as well as provokes me. Perhaps they are those flattering lips. Or, probably, what attracts me most is the force of the visual composition created by the artist, which exhibits an attractive mobility and fluidity.

Numbers and their symbolism for different cultures (not only Western) are also relevant within Juan Luis’ visual production. It is thus we observe 67, 69, 101, 22, 43, 70, 92, XV, in what would appear like a secret and encrypted panorama, to which the artist launches us through the benefit of the doubt.  It is something like a numeric brain teaser that becomes enigmatic, charged with occult codes that perhaps only the artist manages to comprehend.  But since humans enjoy difficult tasks and challenges, I find these numbers very appealing, while intriguing. 

In other works, the artist distances himself from figurative representation and completely immerses himself in abstraction. It is here where he is most content, most to his taste.  The ample freedom of abstraction is like a perfect fit of glove in hand to the desire of the artist to experiment.  It is in these cases where the artist’s brushstrokes are most free, where lines are most chaotic and colors acquire unsuspecting contrasts. Examples of these characteristics are: “Landscape of the Soul,” “Flowers of Tomorrow,” and the series “Silent Noises,” among others. The first above is undoubtedly a masterpiece within Juan Luis’ trajectory. The many layers of color that create an esoteric and magic visual jungle; the visible fissures created by the artist’s spatula; as with the massive overlap of lines that penetrate each other, convert “Landscape of the Soul” in a veritable feast of the senses (tactile, visual and even olfactory, why not?). It is one of those works where one senses that nothing is missing. All is in its just place. And, even more, nothing is superfluous: the tools of the artist were set aside in the precise moment.

There is one other work that merits a detailed analysis, due to its transcendence. It concerns the work “Judgment Day” (2016, acrylic on canvas). In it appear two shaded and mournful personages, in the midst of an atmosphere of opaque colors. As per the title, one of the two judges the other. Possibly it represents the divine final judgment.  Perhaps its significant meaning could be more earthly. What is certain is that this canvas is evidence of a very important feature that distinguishes the work of Juan Luis Pérez: the lack of definition of time and space. The artist’s works inhabit a temporal/space ambiguity that makes them very seductive. His personages appear out of context; it is difficult to locate scenes in a precise geographic or cultural zone, like we are unable to define the historic moment in which the images can be located. The artist’s subjects and sceneries pertain to the past, the present and the future, without distinction among them. In the same manner, they are citizens of the world, universal subjects (multi-cultural).

Another indispensable work by this artist is “La verdad inevitable” (2016). This oeuvre is distinguished by the monumentality of its dimensions. But beyond that characteristic, it is the most mysterious of all the works by this artist. I mean “mysterious” as much for its content as for its form. Its theme revolves around the phenomenon of death and its consequences in the plane of family and humanity. It is thus a tragic and painful work, where a loved one is lamented with profound suffering. But the most curious element, from my point of view, is the anatomy of the figures represented in the work, because their appearance is not completely human, rather a more complex and diffused hybrid, a mixture of a terrestrial and alien that results in something very perturbing. It is an overwhelming piece, with a powerful expressive force. It concerns perhaps a work where the artist projects his fears, his demons, his anguish and his most intimate secrets.  A form of visual confession, which reminds us – through the title and in a direct manner – the inevitability of death.

With the inquietude and the adventurous character of the artist, Juan Luis has also realized sculpture and installation art. This adventuresome can be viewed in his beautiful wood installation dedicated to the memory of the victims of 9/11. It is a group of pieces elegant in their minimalism and simplicity, based on the color white as a symbol of purity, of the transparency of ideals and a nation that rose victorious above ashes. 

It would not be surprising then if Juan Luis in the future enters the world of video-art, digital art, etc. His ambition for creative expansion knows no limit. And, without doubt this is a very positive element in his favor. Let us keep track of his development.

Píter Ortega Núñez

Miami, October 2016


La experimentación en el arte y en la vida Juan Luis Pérez (La Habana, 1970) es un artista profundamente antiacadémico, irreverente, rebelde. Es un creador incómodo, difícil de ubicar en esas etiquetas que tanto nos gustan a los críticos. Su obra va en contra de la noción del “estilo personal”, único. El suyo es un arte camaleónico, mutante, inestable. Y ello molesta, perturba, sobre todo a los mecanismos de la Institución-Arte: mercado, galeristas, curadores, historiadores, etc.

El mundillo del arte necesita definir, clasificar. Cuando no puede hacerlo, se desestabiliza. Juan Luis viene a ser entonces “una piedra en el zapato”. Un “enfant terrible”. Cuando me invitó a su estudio y observé su obra por primera vez, esto fue lo que sentí: la diversidad de sus trabajos me desarmó, me dejó momentáneamente sin palabras. Y es que Juan Luis a veces es abstracto y otras figurativo; por momentos usa colores estridentes y contrastantes, y en otros casos acude a una enorme sobriedad cromática; en ocasiones se vale de texturas densas y pronunciadas, mientras que en otras opta por la planimetrización total de las formas; a veces es expresionista, a veces pop; en algunas piezas se inclina hacia la representación del rostro humano, en otras lo evita; por momentos es más convencional, en otros casos se torna extremadamente experimental y añade resinas, papel periódico, alcohol…; a veces es bien minimalista en la visualidad, a veces es más cargado. En fin, que estamos ante un eterno aventurero, sin rumbo fijo, al cual no le gustan las nomenclaturas.

La única palabra que se ajusta perfectamente a su arte es “libertad”. Libertad de pensamiento y libertad de acción. Y es así también su vida, pues nuestro creador es un viajero incansable, que ha vivido en España, Francia, Italia, Argentina, África, Brasil, Cuba, Miami. De todos esos lugares ha extraído vivencias y experiencias para llevar a sus obras. Lo cual es fascinante. Siempre he creído que la mayor fuente de inspiración para un artista no deben ser los libros ni la teoría, sino el acto de vivir la vida (y vivirla hasta la saciedad). Eso ha hecho Juan Luis Pérez. No en balde se llama a sí mismo “Don Juan”: un vividor auténtico, un gozador genuino de la vida y el arte. En palabras del propio artista: “Si pienso algo y lo siento, lo creo. No sigo ninguna guía o modelo porque para mí el arte es libertad de elección. Las reglas no aplican en mi mundo. Mi lema personal es: la técnica se aprende en la escuela; el arte, se nace con él”. Y es que nuestro artista es autodidacta, aprendió a “bomba”, a su “aire”, sin las camisas de fuerza de la academia. Quizás por ello se respira tanta frescura en sus trabajos, tanta espontaneidad y arrojo. Cuando conversas con Juan Luis, pareciera que él solamente se guía por su propia luz. Como si estuviera tan seguro de sí mismo que no se deja amedrentar por los comentarios (a veces bienintencionados, a veces no tanto) del complejo universo del arte.

Una de las series más interesantes del artista es aquella dedicada a los rostros femeninos (pensemos en piezas como “Missing you”, “Lost in Lust”, “Insanity”, “Reflections of Time”, “Seduction”, “Satisfied”, “Vicious Love”, “Wild Heart”, “101 Thoughts”, entre otras). Como los títulos lo indican, se trata de obras inspiradas en las emociones y los sentimientos humanos más disímiles. Más que retratos físicos, son retratos psicológicos, de carácter. En este sentido destaca sobremanera la habilidad del creador para contar historias a través de las miradas de los personajes. En los ojos de todas esas féminas se advierten memorables pasajes de vida, experiencias, sueños, anhelos, rasgos de personalidades auténticas. Cada una de esas miradas está signada por una poesía y un misterio muy especiales. Esas chicas nos lanzan preguntas, más que respuestas. Lo cual me atrae, no puedo negarlo. Pero también hay mucha sensualidad, y hasta erotismo si se quiere, en dichos rostros. La presencia de una línea curva, elegante; el empleo de los chorreados libres y expresivos, llenos de glamour; el tratamiento de los labios y las pieles de las figuras; las voluptuosas manchas provocadas por el alcohol sobre el lienzo o la madera; al igual que el uso de la gama cromática y las texturas, así lo atestiguan.

A veces es una mezcla de sensualidad y violencia, ternura y agresividad. Y es que a Juan Luis le gustan los opuestos. Los pares antagónicos. Si bien todas las obras de esta serie son valiosas, hay una que ha terminado siendo mi preferida: me refiero a “Curiosity” (2016). Ni siquiera sé explicarme muy bien el porqué, pero lo cierto es que me seduce de una manera muy enfática. Quizás sea esa mirada pícara, atrevida, desafiante, que me intimida al tiempo que me provoca. Quizás sean esos labios zalameros. O, probablemente, lo que me más atrae es la fuerza de la composición visual concebida por el artista, la cual ostenta una movilidad y una fluidez en suma atractivas. Los números y su simbología para distintas culturas (no solo occidentales) resultan también relevantes dentro de la producción visual de Juan Luis.

Es así que observamos 67, 69, 101, 22, 43, 70, 92, XV, en un panorama que pareciera un territorio secreto, cifrado, al cual el artista nos lanza desde el beneficio de la duda. Algo así como un rompecabezas numérico que se torna enigmático, cargado de códigos ocultos que quizás solo el artista logra comprender. Pero, como al ser humano le gusta lo difícil, los retos, esos números me atraen, toda vez que me intrigan. En otras obras el artista se aleja de la representación figurativa y se adentra de a lleno en los dominios de la abstracción. Y es aquí donde se le siente más feliz, más a gusto. La amplia libertad del arte abstracto le viene como anillo al dedo a los deseos de experimentación del creador. Es en estos casos donde el trazo se presenta más suelto, desenfadado; donde la espátula opera con mayor intensidad; donde las líneas son más caóticas y el color adquiere contrastes insospechados. Ejemplos de ello son las obras “Landscape of the Soul”, “Flowers of Tomorrow” y la serie “Silent Noises”, entre otras. La primera de las mencionadas es sin duda un clásico dentro de la trayectoria creadora de Juan Luis. Las distintas capas de colores que crean una especie de selva visual mágica, esotérica; las visibles grietas provocadas por la espátula; así como el amasijo de líneas que se penetran las unas a las otras, convierten a “Landscape of the Soul” en una verdadera fiesta para los sentidos (táctiles, visuales y hasta olfativos, por qué no). Es una de esas obras en que uno siente que nada falta. Todo está en su justo lugar. Y, mejor aún, nada sobra: las herramientas de trabajo fueron echadas a un lado en el momento preciso.

Hay otra obra que merece un análisis detenido, debido a su trascendencia. Se trata aquella que lleva por título “Judgment Day” (2016, acrílico sobre lienzo). En ella aparecen dos personajes sombríos, luctuosos, en medio de una atmósfera de colores en opacidad. De acuerdo al título, uno de ellos juzga al otro. Quizás se trate de una representación del divino “Juicio Final”. Quizás su significado sea más mundano. Lo cierto es que en este lienzo queda evidenciado un rasgo sumamente importante que distingue a la mayoría de las obras de Juan Luis Pérez: la indefinición del tiempo y el espacio. Los trabajos del artista habitan una ambigüedad tempo-espacial que los hace muy seductores. Sus personajes aparecen descontextualizados; resulta imposible ubicar las escenas en una zona geográfica o cultural precisas, así como no podemos definir el momento histórico en que se ubican las imágenes que presenciamos. Los sujetos y escenarios del creador pertenecen al pasado, al presente y al futuro, sin distinción entre uno y otro. Asimismo, son ciudadanos del mundo, sujetos universales (multiculturales). Otra obra imprescindible dentro de la carrera del artista es “La verdad inevitable” (2016).

Este trabajo destaca ante todo por la monumentalidad de sus dimensiones. Pero además de ello, resulta la obra más misteriosa de entre todas las realizadas por el artista. Y digo misteriosa tanto por su contenido como por su forma. Su tema gira en torno al fenómeno de la muerte y sus consecuencias en el plano familiar y humano. Es entonces una obra trágica, dolorosa, donde se llora a un ser querido con profunda pena. Pero lo más curioso, a mi modo de ver, es la anatomía de las figuras representadas, pues la apariencia de estas no llega a ser totalmente humana, sino más bien un híbrido complejo, difuso, una mezcla entre terrestre y alienígena que termina siendo perturbadora. Es una pieza contundente, con una poderosa fuerza expresiva. Se trata quizás de la obra donde el artista proyecta sus fantasmas, sus demonios, sus angustias y secretos más íntimos. Una suerte de confesionario visual, el cual nos recuerda desde el título y de un modo directo, la inevitabilidad del hecho. Con la inquietud y el carácter aventurero que le caracteriza, Juan Luis ha incursionado también en la escultura y la instalación.

Ello se puede constatar en su hermosa instalación con fragmentos de madera dedicada a la memoria de las víctimas del 11 de septiembre de 2001. Un conjunto elegante en su minimalismo y simplicidad, basado en el blanco como símbolo de pureza, de limpidez de unos ideales y una nación que se alzaron victoriosos sobre las cenizas. No será de extrañar entonces si en un futuro Juan Luis Pérez se adentra en el universo del arte digital, el video-arte, etc. Sus ansias de expansión creativa no conocen límites. Lo cual es, sin duda, un elemento muy positivo a su favor. Sigámosle entonces las pistas.

Píter Ortega Núñez

Miami, October 2016